James Moody • Running the Gamut Legendary Sessions

 

Description from liner notes and reviews:
Two of the most expressive and prolific figures in jazz history collaborated on this exceptional session. Multi-reed instrumentalist James Moody and trumpeter, composer, and arranger Thad Jones created an album that fell through the critical cracks despite being remarkably good. Recorded in 1964 for the independent Scepter label, it was one of two albums Moody made for the label featuring the immortal Thad Jones. The session takes off from Moody's early '60s work for Chess, displaying a deeper side of his musical consciousness with Tom McIntosh's influence strongly felt as producer. Moody plays tenor, alto, and flute, working with a really great group including Patti Bown on piano, Albert Heath on drums, Reggie Workman on bass, and Thad Jones on trumpet. The scope of the work is far beyond anything expected, with a stunning early funk track featuring a tripped-out organ line. Remastered for 2024, this album represents one for any true jazz fanatic's collection.
https://www.amazon.com/Running-Gamut-Legendary-Sessions-1963-1964/dp/B0DFZ582C3

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Descripción de notas de producción y reseñas:
Dos de las figuras más expresivas y prolíficas de la historia del jazz colaboraron en esta sesión excepcional. El instrumentista multi-cañas James Moody y el trompetista, compositor y arreglista Thad Jones crearon un álbum que cayó entre las grietas críticas a pesar de ser notablemente bueno. Grabado en 1964 para el sello independiente Scepter, fue uno de dos álbumes que Moody hizo para el sello presentando al inmortal Thad Jones. La sesión despega del trabajo de principios de los '60 de Moody para Chess, mostrando un lado más profundo de su consciencia musical con la influencia de Tom McIntosh fuertemente sentida como productor. Moody toca tenor, alto y flauta, trabajando con un grupo realmente grande que incluye a Patti Bown en piano, Albert Heath en batería, Reggie Workman en bajo y Thad Jones en trompeta. El alcance del trabajo está mucho más allá de lo esperado, con una impresionante pista de funk temprano presentando una línea de órgano psicodélica. Remasterizado para 2024, este álbum representa uno para la colección de cualquier verdadero fanático del jazz.
https://www.amazon.com/Running-Gamut-Legendary-Sessions-1963-1964/dp/B0DFZ582C3

Dizzy Gillespie • Verve Jazz Masters 10

 

James Moody • Hey! It's James Moody

 

There is nothing earth-shattering on this collection, which was originally issued as two LPs: Flute'n The Blues (1956) and Hey! It's James Moody (1959). What remains remarkable, though, is how fresh James Moody sounds, even when some of the arrangements show their age and some of the ensemble passages lack precise intonation. Indeed, some of these tracks have passed into jazz lore, including "Last Train from Overbrook (the salute to Moody's return to the scene) with Eddie Jefferson's ebullient vocal, as well as an instrumental take and the classic Moody-Jefferson piece "I'm in the Mood For Love, performed since as "Moody's Mood For Love.

The leader excels on alto and tenor, but his full-bodied, soulful and technically sure flute playing deserves special mention. He shines on a languid "Indian Summer that is far too short, and "Trouble In De Lowlands finds him appropriately mournful. "Tali is a bit too precious, but Moody almost salvages it with a far-too-short swinging segment. Likewise, the out-of-tune opening ensemble threatens to sabotage the leader's offering, as well as that of underrated trumpeter Johnny Coles, on "Flute'n The Blues. The closing, riff-based ensemble, however, is tighter.

On tenor, Moody soulfully explores "Don't Blame Me, taking his time to build a compelling solo. On "Woody'N You (aka "Algo Bueno ), Dizzy Gillespie's tribute to Woody Herman, he soars again on tenor, using fragments of the melody to launch segments of blowing choruses. His tenor playing, individualized with gruff, acidic traces, is always compelling.

Jefferson is featured extensively on pieces including "Birdland Story, "I Cover the Waterfront, the majestically paced "Workshop and the classics "Parker's Mood and "I'm in the Mood for Love (complete with that wild falsetto spot). The latter two are arguably the singer's most moving works on record.

This release is a portrait of James Moody's output from the late '50s. Here and there it can sound a bit dated, mainly because the ensembles and tempi are too often too much the same, number after number. Moody's warm, passionate, focused voice, however, stands out. Whether in the studio or in the band box, he was then—and remains now—exciting, soulful and expressive. 
https://www.allaboutjazz.com/hey-its-james-moody-james-moody-lone-hill-jazz-review-by-andrew-rowan

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No hay nada revolucionario en esta colección, que originalmente se publicó en dos LP: Flute'n The Blues (1956) y Hey! It's James Moody (1959). Sin embargo, lo que sigue siendo notable es lo fresco que suena James Moody, incluso cuando algunos de los arreglos muestran su antigüedad y algunos de los pasajes del conjunto carecen de una entonación precisa. De hecho, algunas de estas canciones han pasado a formar parte de la historia del jazz, como «Last Train from Overbrook» (el homenaje al regreso de Moody a los escenarios), con la exuberante voz de Eddie Jefferson, así como una versión instrumental y la clásica pieza de Moody-Jefferson «I'm in the Mood For Love», interpretada desde entonces como «Moody's Mood For Love».

El líder destaca en el saxo alto y tenor, pero su interpretación de la flauta, con cuerpo, conmovedora y técnicamente segura, merece una mención especial. Brilla en una lánguida «Indian Summer», que es demasiado corta, y en «Trouble In De Lowlands» se muestra adecuadamente melancólico. «Tali» es un poco demasiado preciosa, pero Moody casi la salva con un segmento swing demasiado corto. Del mismo modo, el conjunto inicial desafinado amenaza con sabotear la oferta del líder, así como la del subestimado trompetista Johnny Coles, en «Flute'n The Blues». Sin embargo, el conjunto final, basado en riffs, es más compacto.

En el saxo tenor, Moody explora con sentimiento «Don't Blame Me», tomándose su tiempo para construir un solo convincente. En «Woody'N You» (también conocido como «Algo Bueno»), el homenaje de Dizzy Gillespie a Woody Herman, vuelve a destacar en el saxo tenor, utilizando fragmentos de la melodía para lanzar segmentos de coros soplados. Su forma de tocar el saxo tenor, personalizada con trazas ásperas y ácidas, es siempre convincente.

Jefferson aparece ampliamente en piezas como «Birdland Story», «I Cover the Waterfront», la majestuosa «Workshop» y los clásicos «Parker's Mood» y «I'm in the Mood for Love» (con ese salvaje falsete). Las dos últimas son posiblemente las obras más conmovedoras del cantante en disco.

Este lanzamiento es un retrato de la producción de James Moody a finales de los años 50. En algunos momentos puede sonar un poco anticuado, principalmente porque los conjuntos y los tempos son demasiado similares, tema tras tema. Sin embargo, la voz cálida, apasionada y concentrada de Moody destaca. Tanto en el estudio como en el escenario, era entonces —y sigue siendo ahora— emocionante, conmovedor y expresivo. 
https://www.allaboutjazz.com/hey-its-james-moody-james-moody-lone-hill-jazz-review-by-andrew-rowan

James Moody • 80 Years Young; Live At The Blue Note, March 26, 2005

 

It was an unforgettable week of music at the Blue Note in New York City, March 2005, celebrating the legendary saxophonist & flutist James Moody's 80th birthday. 80 Years Young documents the grand finale of that week, now released for the first time and in celebration of the 100th anniversary of his birth. The club was buzzing that night with jazz legends, sports figures, TV personalities, and alive with love, joy, and the heartbeat of a community united in reverence for a great American cultural icon. Supporting Moody were Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera, and Slide Hampton, with David Hazeltine and Cedar Walton on piano, bassist Todd Coolman, and drummer Adam Nussbaum, with a brief introduction by jazz impresario George Wein. Featured in the set was "Moody's Mood for Love," over a half-century since it was a major hit for King Pleasure and Moody's signature tune over the decades. 80 Years Young is a powerful reminder of the lasting impact of his music and exudes the deep joyful connection he created with colleagues and audiences throughout his six-decade career.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920

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Fue una semana inolvidable de música en el Blue Note de Nueva York, en marzo de 2005, para celebrar el 80.º cumpleaños del legendario saxofonista y flautista James Moody. 80 Years Young documenta la gran final de esa semana, ahora publicada por primera vez y en conmemoración del centenario de su nacimiento. Esa noche, el club estaba repleto de leyendas del jazz, figuras del deporte, personalidades de la televisión y rebosante de amor, alegría y el latido de una comunidad unida en reverencia por un gran icono cultural estadounidense. Acompañando a Moody estaban Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera y Slide Hampton, con David Hazeltine y Cedar Walton al piano, el bajista Todd Coolman y el baterista Adam Nussbaum, con una breve introducción del empresario de jazz George Wein. En el repertorio destacó «Moody's Mood for Love», más de medio siglo después de que fuera un gran éxito para King Pleasure y la canción insignia de Moody durante décadas. 80 Years Young es un poderoso recordatorio del impacto duradero de su música y transmite la profunda y alegre conexión que creó con sus colegas y el público a lo largo de sus seis décadas de carrera.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 1

 

 

Among the first bebop jazz trumpeters (along with Dizzy Gillespie, Fats Navarro and Idrees Sulieman), Howard McGhee was known for his fast fingers and very high notes, but is rarely credited for the influence he extended to younger trumpeters in an era when the instrument had come back into vogue among students of jazz. Despite a troubled life and career, Howard McGhee remains a huge inspiration for younger jazz musicians, students and fans alike. The collection here brings together eight of the very finest albums the great man ever released or played on, making it the ideal go-to- compilation for collectors and fans of this pioneering, albeit hugely underrated, musician.

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Entre los primeros trompetistas de bebop jazz (junto con Dizzy Gillespie, Fats Navarro e Idrees Sulieman), Howard McGhee era conocido por sus dedos rápidos y sus notas muy agudas, pero rara vez se le reconoce la influencia que ejerció sobre los trompetistas más jóvenes en una época en la que el instrumento había vuelto a ponerse de moda entre los estudiantes de jazz. A pesar de una vida y una carrera problemáticas, Howard McGhee sigue siendo una gran inspiración para los músicos de jazz más jóvenes, los estudiantes y los aficionados. Esta colección reúne ocho de los mejores álbumes que el gran hombre publicó o en los que tocó, lo que la convierte en la compilación ideal para los coleccionistas y aficionados a este músico pionero, aunque enormemente infravalorado.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 2

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 3

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 4

 

 

Cedar Walton • Soul Cycle

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Milt Jackson • At The Museum Of Modern Art

 

Review by Thom Jurek
Milt Jackson at the Museum of Modern Art is one of the many live jazz record dates that should be better known than it is. Perhaps it's because the LP has been unavailable in America since the early '70s; it was released on CD only briefly in Japan. Verve's brilliant Originals series has remedied this situation by issuing the gatefold-sleeve of the LP in a fine edition on compact disc (with the original liner notes pasted into a handsome booklet with the original photos). Released in 1965, shortly after the concert took place, this set is regarded by jazz historians as one of the greatest concerts ever to be performed during the MOMA's terrific free concert series during the '60s. During a rare respite from the Modern Jazz Quartet, Jackson was able to record as a solo artist with musicians of his own caliber. In this case his companions are pianist Cedar Walton, bassist Ron Carter (who was already playing with the Miles Davis Quintet), drummer Candy Finch, and James Moody on flute. The program is a lithe, breezy set of tunes written by Jackson, Walton, and Moody, with two exceptions: a beautiful reading of Jimmy Heath's "The Quota" to open the program, and a leisurely, sensitive stroll through J.J. Johnson's "Enigma." Even encountering this in the 21st century, the easy, symbiotic flow and tight arrangements are quite surprising. Heath's tune is a knotty hard bop number with a tight, brief head, and Jackson takes the first solo with requisite hipness and swing. Moody's flute fills the first chorus a bit and then drops out, leaving the rhythm section to dig into it with Jackson. Moody's solo wraps itself around the fat comping chords of Walton and darts in and out of Carter's hard dancing pulse. This is followed by the Latin tinge of "Novamo" by Jackson. The rhythm section sets out pacing a near charanga, and Jackson and Moody move through it with a beautiful, repetitive, singsong melody that quickly gives way to one of the great vibist's elegant high-register solos. Walton was already in his early thirties when he played with Jackson, and he'd been on the N.Y. scene for a decade, but this was before he became a house pianist with Prestige and well-known as a composer. His tune "Turquoise" is a fiery, fast bop waltz, with a terrific front-line melody for Moody and Jackson. Milt takes the first solo and turns the high notes into a blur of groove and grease. There's terrific humor on the set as well: Jackson's "Flying Saucer" begins in montuno mode. His voice at the intro sounds like something from the Twilight Zone before the rhythm section kicks in and he lays out the melody. Moody takes it away from the montuno feel and turns it toward the blues, but Jackson counters and begins singing in a perfect hepcat confidence, reinforcing the Latin groove. It might be the best tune here. This date is red hot for any fan who lives for jazz with rhythm, swing, and soul in equal tonnage.
https://www.allmusic.com/album/at-the-museum-of-modern-art-mw0000789808

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Reseña de Thom Jurek
Milt Jackson at the Museum of Modern Art es una de las muchas citas discográficas de jazz en directo que debería ser más conocida de lo que es. Quizás sea porque el LP no ha estado disponible en América desde principios de los 70; se editó en CD sólo brevemente en Japón. La brillante serie Originals de Verve ha puesto remedio a esta situación publicando el LP con portada desplegable en una excelente edición en disco compacto (con las notas originales pegadas en un bonito libreto con las fotos originales). Publicado en 1965, poco después de que se celebrara el concierto, este disco está considerado por los historiadores del jazz como uno de los mejores conciertos que se han celebrado durante la magnífica serie de conciertos gratuitos del MOMA en los años sesenta. Durante un raro respiro del Modern Jazz Quartet, Jackson pudo grabar en solitario con músicos de su propio calibre. En este caso, sus compañeros son el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter (que ya tocaba con el Miles Davis Quintet), el batería Candy Finch y James Moody a la flauta. El programa es un conjunto ágil y ligero de melodías escritas por Jackson, Walton y Moody, con dos excepciones: una hermosa lectura de «The Quota» de Jimmy Heath para abrir el programa, y un paseo pausado y sensible por «Enigma» de J.J. Johnson. Incluso encontrando esto en el siglo XXI, el flujo fácil y simbiótico y los arreglos ajustados son bastante sorprendentes. La melodía de Heath es un nudoso número de hard bop con una cabeza apretada y breve, y Jackson toma el primer solo con la cadera y el swing necesarios. La flauta de Moody llena un poco el primer estribillo y luego se retira, dejando que la sección rítmica se meta de lleno con Jackson. El solo de Moody se envuelve alrededor de los gruesos acordes de Walton y entra y sale del duro pulso de baile de Carter. Le sigue el toque latino de «Novamo» de Jackson. La sección rítmica marca el ritmo de una charanga, y Jackson y Moody se mueven a través de ella con una melodía hermosa, repetitiva y cantarina que rápidamente da paso a uno de los elegantes solos de alto registro del gran vibrista. Walton ya tenía treinta y pocos años cuando tocó con Jackson, y llevaba una década en la escena de Nueva York, pero esto fue antes de convertirse en pianista de la casa Prestige y de ser conocido como compositor. Su tema «Turquoise» es un ardiente y rápido vals bop, con una estupenda melodía en primera línea para Moody y Jackson. Milt toma el primer solo y convierte las notas altas en un borrón de groove y grasa. También hay mucho humor en el set: Flying Saucer» de Jackson comienza en modo montuno. Su voz en la introducción suena como algo de la Dimensión Desconocida antes de que la sección rítmica entre en acción y él exponga la melodía. Moody la aleja de la sensación montuno y la gira hacia el blues, pero Jackson contraataca y empieza a cantar con una perfecta confianza hepcat, reforzando el groove latino. Puede que sea la mejor melodía de este disco. Esta cita está al rojo vivo para cualquier fan que viva el jazz con ritmo, swing y soul a partes iguales.
https://www.allmusic.com/album/at-the-museum-of-modern-art-mw0000789808


 

Gene Harris • Superband - Big Band Soul

 

VA • Our Man Flint

 

Non commercial selection by egroj

 

Extenso artículo sobre la película...

About the movie ...

Milt Jackson • At The Museum Of Modern Art

 

Review
by Thom Jurek  
Milt Jackson at the Museum of Modern Art is one of the many live jazz record dates that should be better known than it is. Perhaps it's because the LP has been unavailable in America since the early '70s; it was released on CD only briefly in Japan. Verve's brilliant Originals series has remedied this situation by issuing the gatefold-sleeve of the LP in a fine edition on compact disc (with the original liner notes pasted into a handsome booklet with the original photos). Released in 1965, shortly after the concert took place, this set is regarded by jazz historians as one of the greatest concerts ever to be performed during the MOMA's terrific free concert series during the '60s. During a rare respite from the Modern Jazz Quartet, Jackson was able to record as a solo artist with musicians of his own caliber. In this case his companions are pianist Cedar Walton, bassist Ron Carter (who was already playing with the Miles Davis Quintet), drummer Candy Finch, and James Moody on flute. The program is a lithe, breezy set of tunes written by Jackson, Walton, and Moody, with two exceptions: a beautiful reading of Jimmy Heath's "The Quota" to open the program, and a leisurely, sensitive stroll through J.J. Johnson's "Enigma." Even encountering this in the 21st century, the easy, symbiotic flow and tight arrangements are quite surprising. Heath's tune is a knotty hard bop number with a tight, brief head, and Jackson takes the first solo with requisite hipness and swing. Moody's flute fills the first chorus a bit and then drops out, leaving the rhythm section to dig into it with Jackson. Moody's solo wraps itself around the fat comping chords of Walton and darts in and out of Carter's hard dancing pulse. This is followed by the Latin tinge of "Novamo" by Jackson. The rhythm section sets out pacing a near charanga, and Jackson and Moody move through it with a beautiful, repetitive, singsong melody that quickly gives way to one of the great vibist's elegant high-register solos. Walton was already in his early thirties when he played with Jackson, and he'd been on the N.Y. scene for a decade, but this was before he became a house pianist with Prestige and well-known as a composer. His tune "Turquoise" is a fiery, fast bop waltz, with a terrific front-line melody for Moody and Jackson. Milt takes the first solo and turns the high notes into a blur of groove and grease. There's terrific humor on the set as well: Jackson's "Flying Saucer" begins in montuno mode. His voice at the intro sounds like something from the Twilight Zone before the rhythm section kicks in and he lays out the melody. Moody takes it away from the montuno feel and turns it toward the blues, but Jackson counters and begins singing in a perfect hepcat confidence, reinforcing the Latin groove. It might be the best tune here. This date is red hot for any fan who lives for jazz with rhythm, swing, and soul in equal tonnage.
https://www.allmusic.com/album/at-the-museum-of-modern-art-mw0000789808

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Reseña
por Thom Jurek  
Milt Jackson at the Museum of Modern Art es una de las muchas citas discográficas de jazz en directo que debería ser más conocida de lo que es. Tal vez sea porque el LP no ha estado disponible en América desde principios de los 70; se editó en CD sólo brevemente en Japón. La brillante serie Originals de Verve ha puesto remedio a esta situación publicando el LP con portada desplegable en una excelente edición en disco compacto (con las notas originales pegadas en un bonito libreto con las fotos originales). Publicado en 1965, poco después de que se celebrara el concierto, este disco está considerado por los historiadores del jazz como uno de los mejores conciertos que se han celebrado durante la magnífica serie de conciertos gratuitos del MOMA en los años sesenta. Durante un raro respiro del Modern Jazz Quartet, Jackson pudo grabar en solitario con músicos de su propio calibre. En este caso, sus compañeros son el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter (que ya tocaba con el Miles Davis Quintet), el batería Candy Finch y James Moody a la flauta. El programa es un conjunto ágil y ligero de melodías escritas por Jackson, Walton y Moody, con dos excepciones: una hermosa lectura de "The Quota" de Jimmy Heath para abrir el programa, y un paseo pausado y sensible por "Enigma" de J.J. Johnson. Incluso encontrando esto en el siglo XXI, el flujo fácil y simbiótico y los arreglos ajustados son bastante sorprendentes. La melodía de Heath es un nudoso número de hard bop con una cabeza apretada y breve, y Jackson toma el primer solo con la cadera y el swing necesarios. La flauta de Moody llena un poco el primer estribillo y luego se retira, dejando que la sección rítmica se meta de lleno con Jackson. El solo de Moody se envuelve alrededor de los gruesos acordes de Walton y entra y sale del duro pulso de baile de Carter. Le sigue el toque latino de "Novamo" de Jackson. La sección rítmica marca el ritmo de una charanga, y Jackson y Moody se mueven a través de ella con una melodía hermosa, repetitiva y cantarina que rápidamente da paso a uno de los elegantes solos de alto registro del gran vibrista. Walton ya tenía treinta y pocos años cuando tocó con Jackson, y llevaba una década en la escena de Nueva York, pero esto fue antes de convertirse en pianista de la casa Prestige y de ser conocido como compositor. Su tema "Turquoise" es un ardiente y rápido vals bop, con una estupenda melodía en primera línea para Moody y Jackson. Milt toma el primer solo y convierte las notas altas en un borrón de groove y grasa. También hay mucho humor en el set: Flying Saucer" de Jackson comienza en modo montuno. Su voz en la introducción suena como algo de la Dimensión Desconocida antes de que la sección rítmica entre en acción y él exponga la melodía. Moody la aleja de la sensación montuno y la gira hacia el blues, pero Jackson contraataca y empieza a cantar con una perfecta confianza hepcat, reforzando el groove latino. Puede que sea la mejor melodía de este disco. Esta cita está al rojo vivo para cualquier fan que viva el jazz con ritmo, swing y soul a partes iguales.
https://www.allmusic.com/album/at-the-museum-of-modern-art-mw0000789808

 

James Moody • Moody And The Brass Figures

 

Review
by Scott Yanow
For this Milestone LP (not yet reissued on CD), James Moody leaves his alto at home and mostly sticks to tenor (although he switches to flute on "Cherokee"). Five of the nine selections feature Moody with a five-piece brass section (three trumpets, one trombone and a tuba) and a top-notch rhythm section consisting of pianist Kenny Barron, bassist Bob Cranshaw and drummer Mel Lewis. Tom McIntosh's arrangements are functional but unexciting, with only "Au Privave" catching much fire. Best are the four other numbers which showcase the tenorman with only the rhythm section. Not content to be a mere bebop revivalist, Moody is heard throughout pushing himself, and there are some good moments from Barron too.
https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508

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Reseña
por Scott Yanow
Para este LP histórico (aún no reeditado en CD), James Moody deja su alto en casa y se apega principalmente al tenor (aunque cambia a la flauta en "Cherokee"). Cinco de las nueve selecciones presentan a Moody con una sección de metales de cinco piezas (tres trompetas, un trombón y una tuba) y una sección rítmica de primer nivel compuesta por el pianista Kenny Barron, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Mel Lewis. Los arreglos de Tom McIntosh son funcionales pero poco emocionantes, con solo" Au Privave " atrayendo mucho fuego. Los mejores son los otros cuatro números que muestran al tenorman con solo la sección rítmica. No contento con ser un mero revivalista de bebop, Moody se escucha a lo largo de empujarse a sí mismo, y también hay algunos buenos momentos de Barron.
https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508

Dizzy Gillespie • The Cool World

 

Review by Thom Jurek
Finally available again after a 30-plus year absence from American shelves is the soundtrack to Shirley Clarke's gritty but brilliant 1964 film, Cool World, about young people growing up in Harlem. The score was written and arranged by pianist Mal Waldron but was performed and recorded by Dizzy Gillespie's quintet of the time. This set is one of Diz's best records of the 1960s (which is saying something), and one of the best jazz film scores period. Diz's band at the time included James Moody on tenor and flute, a young Kenny Barron on piano, bassist Chris White, and Rudy Collins on drums. The 11 cues that range between two and five minutes are deeply rooted in the language of hard bop and blues with some excellent, if brief, modal touches by Waldron. The opening theme, the set's longest cut, sets out all the tropes the quintet will visit over and again; lean, tough, expressive blues. Barron's piano sets out a fast, hard swinging groove that sets a pace for the cut time, skittering snare, and frenetic bassline; they urge the two horn players to wail the head and they do. The three solos are as intense and popping as anything on Blue Note at the time, and offer a portal into the rest of the set. The blues articulation of every cue here is on purpose because, if anything, Cool World is a film drenched in them. Waldron's sense of economy in picking both impressionistic and expressionist avenues for blues to speak through jazz in an inspired quintet like this is remarkable -- the temptation would be to excess at every turn, especially given Waldron's gift for sophisticated harmonies and spacy lyrical concerns. There is little that is subtle about this music, but there is nothing overblown about it either. Check the happy-go-lucky flow of "Enter Priest," which signals the arrival onscreen of Duke's (main character) mentor: though he is an underworld figure and a gang leader, his outward appearance to Duke, and his first impression of him, is one of freedom and admiration. The free-flowing cut-time rim shot from Collins and the breezy, open horn section underscores this; Duke's eyes are wide and happy because he thinks he's found a way out of his predicament. On "Duke's Awakening," Waldron deviates -- momentarily -- from the blues/hard bop lexicon. He uses a minor-key modal theme in the intro before unfolding a slow blues. Waldron follows this with a stunning hard bebop cue called "Duke on the Run," that echoes back to the '40s in its unrelenting action and pace -- though Moody's solo is a deeply soulful one. There is also the wonderfully lilting "Coney Island," (where the main character escorts his Bonnie, his love interest, to the seashore, it's her first time seeing the ocean despite having grown up in Harlem). The open octave spill between saxophone and muted trumpeter are the character's voice, and the drums and bassline become the sea and sand -- the only place the pair is free is on the shore. Moody solos on flute to outline just how different this moment is than either character has known before. Ultimately, the soundtrack to Cool World is an enormous success artistically, standing head and shoulders over virtually every other such effort of the period, and a welcome addition to the Gillespie catalog, offering a very keen and muscular view of his 1964 band. Previously available only as a very expensive import, this disc is a must for anyone interested in '60s Gillespie and in hard bop jazz in general.
https://www.allmusic.com/album/the-cool-world-mw0000789807

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Reseña de Thom Jurek
Finalmente disponible nuevamente después de una ausencia de más de 30 años en los estantes estadounidenses, está la banda sonora de la arenosa pero brillante película de Shirley Clarke de 1964, Cool World, sobre jóvenes que crecen en Harlem. La partitura fue escrita y arreglada por el pianista Mal Waldron, pero fue interpretada y grabada por el quinteto de Dizzy Gillespie de la época. Este set es uno de los mejores discos de Diz de la década de 1960 (lo cual es decir algo), y una de las mejores bandas sonoras de jazz del período. La banda de Diz en ese momento incluía a James Moody al tenor y flauta, un joven Kenny Barron al piano, el bajista Chris White y Rudy Collins a la batería. Las 11 pistas que oscilan entre dos y cinco minutos están profundamente arraigadas en el lenguaje del hard bop y el blues con algunos toques modales excelentes, aunque breves, de Waldron. El tema de apertura, el corte más largo del set, establece todos los tropos que el quinteto visitará una y otra vez; blues delgado, duro y expresivo. El piano de Barron establece un ritmo rápido y duro que marca el ritmo del tiempo de corte, la trampa de skittering y la frenética línea de bajo; instan a los dos trompistas a gemir la cabeza y lo hacen. Los tres solos son tan intensos y explosivos como cualquier cosa en Blue Note en ese momento, y ofrecen un portal al resto del set. La articulación blues de cada señal aquí es a propósito porque, en todo caso, Cool World es una película empapada en ellos. El sentido de economía de Waldron al elegir avenidas impresionistas y expresionistas para que el blues hable a través del jazz en un quinteto inspirado como este es notable: la tentación sería excesiva a cada paso, especialmente dado el don de Waldron para armonías sofisticadas y preocupaciones líricas espaciosas. Hay poco de sutileza en esta música, pero tampoco hay nada exagerado al respecto. Compruebe el flujo despreocupado de "Enter Priest", que señala la llegada en pantalla del mentor (personaje principal) de Duke: aunque es una figura del hampa y un líder de pandillas, su apariencia externa para Duke, y su primera impresión de él, es de libertad y admiración. La toma de aro de tiempo de corte libre de Collins y la sección de trompa abierta y ventosa subrayan esto; los ojos de Duke están muy abiertos y felices porque cree que ha encontrado una salida a su situación. En "Duke's Awakening", Waldron se desvía, momentáneamente, del léxico blues / hard bop. Utiliza un tema modal de tonalidad menor en la introducción antes de desplegar un blues lento. Waldron sigue esto con una impresionante pista de bebop dura llamada "Duke on the Run", que se remonta a los años 40 en su acción y ritmo implacables, aunque Moody's solo es profundamente conmovedor. También está la maravillosamente melodiosa " Coney Island "(donde el personaje principal acompaña a su Bonnie, su interés amoroso, a la orilla del mar, es la primera vez que ve el océano a pesar de haber crecido en Harlem). El derrame de octava abierta entre el saxofón y el trompetista silenciado es la voz del personaje, y la batería y la línea de bajo se convierten en el mar y la arena the el único lugar donde la pareja está libre es en la orilla. Solos de mal humor en la flauta para delinear cuán diferente es este momento de lo que cualquiera de los personajes ha conocido antes. En última instancia, la banda sonora de Cool World es un enorme éxito artístico, superando prácticamente cualquier otro esfuerzo similar de la época, y una adición bienvenida al catálogo de Gillespie, que ofrece una visión muy aguda y musculosa de su banda de 1964. Anteriormente disponible solo como una importación muy costosa, este disco es imprescindible para cualquier persona interesada en Gillespie de los 60 y en el jazz hard bop en general.
https://www.allmusic.com/album/the-cool-world-mw0000789807

 

 

dizzygillespie.org ...

James Moody • Heritage Hum

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge "hit" on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, "As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century."

https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

///////

 

Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado serenatas a los enamorados con su emblemática canción Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah (Georgia) el 26 de marzo de 1925 y criado en Newark (Nueva Jersey), James Moody cogió el saxo alto, regalo de su tío, a los 16 años. A los pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más grave y con más cuerpo, tras escuchar a Buddy Tate y Don Byas tocar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó al joven Moody una exposición mundial y amplias oportunidades para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió impresionado al principio, según admite ahora, por el increíble talento de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario líder trompetista dejó huella en el joven saxofonista. Su ya legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

De vuelta a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 volvió a unirse a Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y durante siete años formó parte de la orquesta del Hilton de Las Vegas, donde actuó para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, entre otros.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, sentando así las bases para su resurgimiento como gran artista discográfico.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico en los grandes sellos. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su potente voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con el viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de boda de su viejo amigo. Los novios caminaron hacia el altar al son del solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia al ritmo de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty, de Gillespie, que muestra lo mejor del scatting. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995, Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Puede escucharse en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con orquesta y cuerdas, muchos opinan que es una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage por parte de Moody en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración. Su primer álbum de estudio en 6 años, Homage, es un tributo a Moody con nuevas melodías escritas especialmente para él por Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Ya toque la soprano, el alto, el tenor o la flauta, Moody lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un gran respeto por la tradición, pero le encanta descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times: "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al auge de la música estadounidense como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

James Moody • Moody With Strings

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge "hit" on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, "As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century."

https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado serenatas a los enamorados con su emblemática canción Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah (Georgia) el 26 de marzo de 1925 y criado en Newark (Nueva Jersey), James Moody cogió el saxo alto, regalo de su tío, a los 16 años. A los pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más grave y con más cuerpo, tras escuchar a Buddy Tate y Don Byas tocar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó al joven Moody una exposición mundial y amplias oportunidades para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió impresionado al principio, según admite ahora, por el increíble talento de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario líder trompetista dejó huella en el joven saxofonista. Su ya legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

De vuelta a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 volvió a unirse a Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y durante siete años formó parte de la orquesta del Hilton de Las Vegas, donde actuó para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, entre otros.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, sentando así las bases para su resurgimiento como gran artista discográfico.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico en los grandes sellos. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su potente voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con el viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de boda de su viejo amigo. Los novios caminaron hacia el altar al son del solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia al ritmo de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty, de Gillespie, que muestra lo mejor del scatting. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995, Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Puede escucharse en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con orquesta y cuerdas, muchos opinan que es una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage por parte de Moody en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración. Su primer álbum de estudio en 6 años, Homage, es un tributo a Moody con nuevas melodías escritas especialmente para él por Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Ya toque la soprano, el alto, el tenor o la flauta, Moody lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un gran respeto por la tradición, pero le encanta descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times: "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al auge de la música estadounidense como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

Mike Longo • The Awakening

 

 

Mike Longo is best-known as a reliable and versatile player who was the pianist with Dizzy Gillespie during 1966-1973. Longo was born in Cincinnati and began playing piano at age three thanks to his church organist mother and part-time professional jazz bass-playing father. The family moved to Florida, where Mike, at age 15, began working with his father’s band on weekends. Cannonball Adderly heard Mike and soon they were playing the Southern “chittlin’ circuit” together. Longo earned his Bachelor of Music degree in classical piano at Western Kentucky State University.

During those years, he went on the road with the Hal McIntyre Orchestra one summer and also played with legendary guitarist Hank Garland in Nashville. Longo toured for two years with the Salt City Six. After the group played at New York’s Metropole Cafe, the band left, but Mike stayed on as the house pianist playing with such jazz notables as Coleman Hawkins, Henry Red Allen, George Wettling, Gene Krupa and many others.

After the Chicago stint studying with Peterson, Longo moved permanently to New York City which led to opportunities to work with many great singers — Nancy Wilson, Gloria Lynn, Jimmy Witherspoon, Joe Williams, Jimmy Rushing and others. Longo did an extended stay at Embers West with bassist Paul Chambers accompanying acts such as Frank Foster, Lee Konitz, Frank Wess, Clark Terry, Zoot Sims and Roy Eldridge. In addition, over the years Mike has performed on albums by Dizzy Gillespie, Astrud Gilberto, James Moody, Buddy Rich, Lee Konitiz and numerous others.

While Mike was with Dizzy, the band recorded many tunes penned by Longo such as “Frisco,” “Let Me Out,” “Soul Kiss” and “The Truth.” Longo started his own recording career in the early Sixties and now has 19 albums to his credit (three of them with his big band, the New York State of the Art Jazz Ensemble). Mike Longo also is a renowned music teacher, has helped many jazz players with private instruction, and has written nine music textbooks, primarily on jazz improvisation.

But this jazz master has never stopped his own studies, constantly searching and learning, open to new ideas, and freely exploring deeper into the subtleties and nuances found in the world of jazz. When the floating butterfly spreads its wings, it’s a thing of beauty.
https://musicians.allaboutjazz.com/mikelongo

Note:
Died at Mount Sinai Hospital in New York on 22 March 2020, three days after his eighty-third birthday, of complications from COVID-19 disease.

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Mike Longo es conocido sobre todo como un pianista fiable y versátil que fue pianista de Dizzy Gillespie entre 1966 y 1973. Longo nació en Cincinnati y empezó a tocar el piano a los tres años gracias a su madre, organista de iglesia, y a su padre, bajista profesional de jazz a tiempo parcial. La familia se trasladó a Florida, donde Mike, a los 15 años, empezó a trabajar con la banda de su padre los fines de semana. Cannonball Adderly escuchó a Mike y pronto estuvieron tocando juntos en el circuito sureño de "chittlin'". Longo se licenció en piano clásico en la Western Kentucky State University.

Durante esos años, salió de gira con la Hal McIntyre Orchestra un verano y también tocó con el legendario guitarrista Hank Garland en Nashville. Longo estuvo de gira durante dos años con los Salt City Six. Después de que el grupo tocara en el Metropole Cafe de Nueva York, la banda se marchó, pero Mike se quedó como pianista de la casa tocando con notables del jazz como Coleman Hawkins, Henry Red Allen, George Wettling, Gene Krupa y muchos otros.

Después de su estancia en Chicago estudiando con Peterson, Longo se trasladó permanentemente a la ciudad de Nueva York, lo que le llevó a trabajar con muchos grandes cantantes: Nancy Wilson, Gloria Lynn, Jimmy Witherspoon, Joe Williams, Jimmy Rushing y otros. Longo hizo una larga estancia en Embers West con el bajista Paul Chambers acompañando a artistas como Frank Foster, Lee Konitz, Frank Wess, Clark Terry, Zoot Sims y Roy Eldridge. Además, a lo largo de los años Mike ha actuado en álbumes de Dizzy Gillespie, Astrud Gilberto, James Moody, Buddy Rich, Lee Konitiz y muchos otros.

Mientras Mike estuvo con Dizzy, la banda grabó muchos temas escritos por Longo como "Frisco", "Let Me Out", "Soul Kiss" y "The Truth". Longo comenzó su propia carrera discográfica a principios de los años sesenta y ahora cuenta con 19 álbumes en su haber (tres de ellos con su big band, el New York State of the Art Jazz Ensemble). Mike Longo también es un reputado profesor de música, ha ayudado a muchos jazzistas con clases particulares y ha escrito nueve libros de texto de música, principalmente sobre improvisación de jazz.

Pero este maestro del jazz nunca ha dejado de estudiar por su cuenta, buscando y aprendiendo constantemente, abierto a nuevas ideas, y explorando libremente en las sutilezas y matices que se encuentran en el mundo del jazz. Cuando la mariposa flotante despliega sus alas, es una cosa de belleza.

https://musicians.allaboutjazz.com/mikelongo

Nota:
Murió en Hospital Mount Sinai de Nueva York el 22 de marzo de 2020, tres días después de cumplir ochenta y tres años, a causa de las complicaciones derivadas de la enfermedad de COVID-19.

VA • Blue Note Trip Jazzanova

 

Donald Byrd, Bobby Hutcherson, Bobbi Humphrey, Horace Silver, Horace Parlan, James Moody, Kenny Dorham, Lee Morgan, Nicola Conte, Sam Rivers, Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Various Artists, Curtis Fuller, Gene Harris, Duke Pearson …

 

James Moody • Flute 'N The Blues

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge "hit" on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, "As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century."

https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

///////

 

Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado serenatas a los enamorados con su emblemática canción Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah (Georgia) el 26 de marzo de 1925 y criado en Newark (Nueva Jersey), James Moody cogió el saxo alto, regalo de su tío, a los 16 años. A los pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más grave y con más cuerpo, tras escuchar a Buddy Tate y Don Byas tocar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó al joven Moody una exposición mundial y amplias oportunidades para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió impresionado al principio, según admite ahora, por el increíble talento de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario líder trompetista dejó huella en el joven saxofonista. Su ya legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

De vuelta a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 volvió a unirse a Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y durante siete años formó parte de la orquesta del Hilton de Las Vegas, donde actuó para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, entre otros.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, sentando así las bases para su resurgimiento como gran artista discográfico.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico en los grandes sellos. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su potente voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con el viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de boda de su viejo amigo. Los novios caminaron hacia el altar al son del solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia al ritmo de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty, de Gillespie, que muestra lo mejor del scatting. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995, Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Puede escucharse en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con orquesta y cuerdas, muchos opinan que es una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage por parte de Moody en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración. Su primer álbum de estudio en 6 años, Homage, es un tributo a Moody con nuevas melodías escritas especialmente para él por Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Ya toque la soprano, el alto, el tenor o la flauta, Moody lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un gran respeto por la tradición, pero le encanta descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times: "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al auge de la música estadounidense como fuerza musical dominante del siglo XX".
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